Les chapitres de ce dossier :

Monstres, hybrides, animaux composites, sphinx, hydres, chimères, dragons, licornes, griffons, sirènes, centaures, tritons, pégases, harpies, phénix : les animaux fantastiques sont partout dans l'art mondial de Sumer à la Grèce, de la Chine au Mexique, de l'Afrique noire à la Mélanésie, des enluminures gothiques au cinéma de Hollywood en passant par Bosch, Goya, Picasso, la bande dessinée, la publicité, le folk art et l'art brut. On les trouve donc à toutes les époques, dans toutes les cultures, dans tous les genres artistiques. Cette iconographie, riche et complexe, suscite maintes questions sur les mondes imaginaires dont se sont nourris de tout temps les créateurs. Cette approche exhaustive, très illustrée, offre un extraordinaire bestiaire fantastique de l'art.

Ce livre a obtenu le prix du Cercle Montherlant de l'Académie des beaux-arts.

Influencée par l'histoire, façonnée par le génie humain et fruit de la créativité, l'architecture est l'art le plus universel du monde. C'est le lieu où se rejoignent l'imagination, la science et le contexte culturel, pour créer les constructions qui répondent aux besoins de toutes les cultures du monde et dont elles sont emblématiques, depuis la hutte primitive et le temple jusqu'aux gratte-ciel et stade olympique. Examinant en détail les divers éléments, fondations, murs, toitures, escaliers ou fenêtres, qui constituent les bâtiments privés ou publics, cet ouvrage offre un point de vue unique sur l'histoire de l'architecture et du bâtiment. Il s'attarde sur les grands exploits techniques des maîtres d'oeuvre, des architectes et des ingénieurs ainsi que sur les esthétiques propres à certaines époques, ou défendues par des mouvements particuliers. C'est un panorama des styles tout au long de l'histoire et dans le monde entier. C'est une présentation d'édifices majeurs dont plusieurs sites sont inscrits au Patrimoine mondial de l'Unesco ; figurent également des constructions moins connues. Plus de 500 photographies, plus de 60 illustrations et schémas pédagogiques originaux permettent à ce livre d'être un guide magnifiquement illustré de tous les éléments constituant " L'Architecture ". Cet ouvrage deviendra rapidement une référence indispensable.

Associer respect de l'environnement et développement durable à un style résolument contemporain est l'une des tâches les plus exaltantes des bâtisseurs d'aujourd'hui. Les architectes relèvent le défi avec des concepts créatifs révolutionnaires, qui ont d'ores et déjà fait de l'innovation écologique une partie intégrante de l'acte de construire. La sélection internationale de 111 ouvrages présentée dans ce livre montre des conceptions spectaculaires, comme celles d'un mur communicant à bilan énergétique neutre à Pékin, du Pop Stage WATT de Rotterdam, du musée parisien du quai Branly ou encore de la cathédrale du Christ de lumière de San Francisco. De Norman Foster à Paul Morgan en passant par Jean Nouvel, SITE, 24 H architecture..., l'association d'un design original et d'une mise en oeuvre visionnaire des technologies de conservation de l'énergie et de préservation de l'environnement fait de ces projets les éclaireurs de l'architecture contemporaine.

Au Siècle des Lumières l'architecture intérieure, qui tient un rôle primordial dans la quête du bonheur, est soumise au nouvel impératif d'une sensibilité que l'on ose revendiquer. " Renouveler perpétuellement les sensations, (...) faire " frémir l'âme ", telle est désormais l'ambition de tout un chacun ". Aux XVIIIe et XIXe siècles, quelques architectes et théoriciens, en butte à la suprématie du modèle antique, invoquent de nouvelles sources d'inspiration pour obtenir la variété à laquelle aspirent les riches commanditaires dans le décor intérieur de leurs demeures. Le " goût exotique ", qui désigne le goût des formes d'art et des moeurs des peuples lointains, autrement dit des cultures non-occidentales, apparaît à même de stimuler l'imagination des créateurs de décors et de leurs spectateurs. Les salons chinois, les boudoirs " à la turque " ou les chambres tendues de " perse " font leur apparition. Comble de la variété, réponse ultime à cette recherche perpétuelle de plaisir et de dépaysement, on rencontre parfois, au sein d'un seul et même appartement, une succession de décors qui transportent le propriétaire des lieux, sans sortir de chez lui, dans des univers différents. De l'Angleterre à la Suède, du Portugal à la Russie, certains de ces décors exotiques, parfois extravagants, sont parvenus jusqu'à nous et continuent d'exercer leur fascinant pouvoir dépaysant sur les visiteurs contemporains. Nostalgie des origines, d'un monde meilleur fantasmé, ou volonté d'évasion, de fuite hors du temps et de l'espace, ils nous expliquent comment ces aspirations ont pris corps au sein de la sphère privée ; qui étaient ces hommes, princes érudits, artistes ou poètes fortunés, ayant présidé à la création de ces lieux exotiques qui, aujourd'hui encore, nous transportent ailleurs.

Née au XVIIIe siècle dans la mouvance du Romantisme, la pratique des arts plastiques par les hommes de lettres s'est largement développée avec l'avènement de la modernité. Activité parallèle, complémentaire ou en symbiose avec l'écriture, elle traduit un questionnement grandissant sur l'expression artistique et la frontière entre les disciplines. Quelles sont les voies de ce dédoublement, à quelles nécessités ou recherches répond-t-il? Quels traits unissent ou différencient écriture et création plastique? Comment certains écrivains aussi brillants à la plume qu'au pinceau sont-ils aujourd'hui reconnus comme des artistes majeurs? C'est tout le propos de ce livre abondamment illustré. De Goethe à Gao Xingjian en passant par Hugo, Blake, Sand, Dostoïevski, Zola, Loti, Apollinaire, Faulkner, Garcia Lorca, Cocteau, Savinio, Prévert, Artaud, Michaux, Butor, cette synthèse offre à découvrir, à la croisée des genres, un univers de création singulier et foisonnant, trop longtemps méconnu.

En tant que genre, la folie a donné à l'Europe un bel héritage architectural allant de la Renaissance à nos jours, en passant par le baroque, le rococo et l'art nouveau. Construites par des mécènes quelque peu originaux, sans autre raison que le bonheur de les imaginer, les folies reflètent, aujourd'hui encore, leurs goûts et leurs singularités. Que ce soit la puissance et la magnificence de sans-souci à Potsdam ou le village chimérique de Portmeirion, au Pays de Galles ; une serre à fougères contemporaine créée à partir de bouteilles vides à Pembridge ou le théâtre romain de la Villa Padierna à Marbella, ces édifices fantaisistes sont un précieux témoignage d'imagination et d'excentricité. Après avoir vu le palais idéal, à Hauterives, le photographe Nic Barlow s'est pris de passion pour le concept de folies. Il a voyagé depuis lors dans une dizaine de pays européens afin de rassembler une remarquable collection de documents sur ces créations architecturales " extra ordinaires " ; certaines d'entre elles étaient jusqu'alors inconnues. grandes ou petites, imposantes ou intimes, les folies - ou fabriques, terme plus couramment employé en français - ont été immortalisées par ce photographe épris de beauté. Il en résulte ce superbe ouvrage. Les textes de Caroline Holmes et de Tim Knox retracent l'histoire de ces folies, des plus énigmatiques aux plus célèbres. Ce livre constitue un témoignage des désirs insolites de quelques personnalités passionnées qui ont poursuivi leur rêve jusqu'à ce qu'il devienne réalité.

De la prune au fruit de la passion et de la fraise à la lime, l’histoire et l’évolution des fruits sont un véritable labyrinthe. Cultivées depuis des milliers d’années, de nombreuses espèces se sont propagées dans le monde entier à mesure que l’homme se déplaçait et explorait de vastes étendues.

Ce livre retrace le développement d’un large éventail d’espèces ; il relate leur histoire et leur culture ainsi que la place qu’elles ont occupé dans la culture populaire, depuis les mythes antiques jusqu’aux croyances médicinales plus récentes et parfois étranges.

Depuis l’Asie centrale et la Chine, berceaux des fruits à l’état sauvage, le lecteur est entraîné dans l’univers passionnant des pépinières de la Grèce et de la Rome antiques, des monastères et des grandes demeures d’Europe, jusqu’à la grande époque des explorations et de l’expansion européennes dans les Amériques, et finalement à travers les vergers industriels et les jardins privés d’aujourd’hui.

De précieuses images tirées des plus beaux albums peints, dessinés ou lithographiés illustrent ce volume unique. Réalisées au cours des siècles passés en France et dans le reste de l’Europe, elles proviennent des archives de la Royal Horticultural Society. Remarquables pour leur intérêt historique permettant de retracer l’évolution des fruits, ce sont de véritables chefs-d’œuvre à part entière.

Vasari définit les grotesques comme un genre de peintures libres et cocasses, inventé dans l’Antiquité pour orner des surfaces murales. Il a pour principaux motifs des rinceaux végétaux, des candélabres, des figures humaines, mythologiques, animales ou hybrides – insolites ou fantastiques – disposés sans aucune logique apparente, narrative ou spatiale.
Le Moyen Âge a privilégié les hybrides monstrueux et les drôleries alors que le Quattrocento a cherché à se réapproprier les formes ornementales de l’Antiquité, notamment celles mis au jour par la découverte de la villa de Néron, la Domus Aurea, en 1480. Les grotesques connurent alors un extraordinaire succès, consacré par leur emploi dans les Loges du Vatican, décorées vers 1518 par Raphaël et son atelier. Ils devinrent une composante essentielle de la décoration des monuments profanes et religieux, envahissant même la céramique, la tapisserie et le mobilier, et de nombreux peintres se spécialisèrent dans ce genre. On peut parler de XVIe siècle triomphant.
Au début du XVIIIe siècle, la découverte d’Herculanum et de Pompéi allait lui donner une nouvelle jeunesse, s’étendant aux décors d’intérieur, à l’habillement... Et, au XIXe siècle, alors même que néoclassicisme épurait le style, les grotesques continuèrent d’apparaître dans les arts appliqués, marqueterie, céramique, tissus et mobilier.

Dans la culture chinoise, le jardin représente depuis toujours plus qu'un simple agencement de fleurs, d'arbres et de paysages en réduction; il est un véritable microcosme défini par une vision philosophique et poétique de la nature. Marco Polo et les Occidentaux qui ont découvert à sa suite les jardins chinois nous ont vanté leur dessin subtil et intriqué, leur architecture raffinée, leur utilisation habile de la végétation, de l'eau et des éléments naturels. Pourtant, notre civilisation a longtemps peiné à les comprendre et à s'approprier les concepts et les savoir-faire qui les sous-tendent. Grâce à leur esthétique sophistiquée, ce sont des havres de sérénité incomparables pour le plaisir des sens et le bien-être de l'esprit. Ce livre dévoile la splendeur des grands jardins chinois au travers de magnifiques photographies originales et de riches descriptions, tout en éclairant par des termes simples leur philosophie et les techniques inventives qui les caractérisent. Sa lecture permettra à tous les architectes, paysagistes et jardiniers d'appréhender ce patrimoine inestimable et d'insuffler une part de son esprit à leurs propres créations.

Comment les peintres ont-ils représenté la transparence de l’eau, les couleurs du ciel, les ombres, les contours d’un corps à contre-jour… ? Autrement dit comment rendre les mille apparences de la  lumière sur les objets, les personnes et leurs environnements à l’aide d’un simple pinceau et de pigments, et sur un espace à deux dimensions, la toile ?
Ce livre offre les réponses d’un scientifique à ces questions inhérentes à la représentation du réel. Si les civilisations anciennes choisirent d’éluder la question en s’attachant davantage à la signification rituelle ou symbolique des objets qu’à leurs apparences fugitives et changeantes, à partir de la Renaissance, les peintures relevèrent le défi de figurer l’infinie variété d’effets que la lumière peut donner au monde où nous vivons. Parallèlement à la mise en œuvre de la perspective, ils s’ingénièrent à trouver les techniques picturales à même de rendre visible au spectateur les aspects de la lumière.

Cette approche originale éclaire d’un œil nouveau les œuvres d’art que nous interprétons traditionnellement sous un angle historique. Ici, la science de la vision des couleurs nous aide à comprendre l’inventivité des artistes pour restituer la complexité physique du monde.

La main est de toutes les parties du corps humain, après le visage, assurément la plus autonome, la plus importante…
Le langage de la main recouvre une infinité de formes et de gestes, pendant fort longtemps codifiés, dont l’origine est à chercher sur les parois des cavernes avant que les peintres n’y accordent une attention grandissante.
Qu’elle soit tendre, passionnée, ensanglantée, laborieuse, élégante, divine ou encore créative, la main offre depuis les origines du monde un second langage à l’homme mais aussi à l’artiste.
Cet ouvrage tente de réunir les exemples les plus emblématiques, les plus inattendus ou les plus étonnants, mains célèbres ou non du XVIè ou XXè siècle. Il aurait été téméraire et même utopique d’entreprendre un répertoire en images de la représentation de la main  à travers les âges : pareille démarche assurément était vouée d’emblée à l’échec tant les champs à couvrir étaient vastes.
De Michel-Ange à Dürer, de Léonard à Fragonard ou de Courbet à Picasso, il n’est pas un artiste qui n’ait traduit la pensée humaine en un geste dicté par la main. De la compassion à la tragédie, de l’amour à la haine, du plaisir à la douleur, ils s’expriment selon leur talent et leur virtuosité, traduisent leur intention par une représentation très significative de la main. Très souvent, le contexte du tableau permet de situer immédiatement l’action réalisée par la main.
Un livre distrayant, alliant découvertes et fine analyse des œuvres choisies par les deux auteurs.

Les mosaïques grecques et romaines sont une des formes artistiques les plus représentatives du monde antique. Et comme la plus grande partie des peintures murales de cette époque n'a pas été conservée, elles présentent une importance capitale pour notre connaissance de l'art antique dans son ensemble. Les mosaïques sont en effet le seul témoignage que nous possédons sur la grande peinture de chevalet : la Mosaïque d'Alexandre, par exemple, qui fut découverte dans la maison du Faune à Pompéi, est la copie d'un célèbre tableau que Pline attribue au peintre grec Philoxénos (IVe siècle av. J-C). Cette étude approfondie de l'art des mosaïques passe en revue leurs origines, leurs typologies, leurs techniques d'exécution, ainsi que leur évolution au cours des siècles. Les photographies qui accompagnent le texte révèlent l'éclatante beauté et l'harmonie raffinée des mosaïques antiques qui ont été retrouvées dans tout le bassin méditerranéen.

Dans la mégapole sillonnée de rues où les biens immobiliers atteignent des prix extravagants, les jardins occupent de longue date une place toute particulière. Si la ville disposait à l'origine, et lors du développement urbain qui marqua le XIXe siècle, de grands espaces publics, les jardins d'aujourd'hui doivent leur extraordinaire originalité au conflit qui, depuis lors, oppose la logique du profit et l'amour de la nature. Le manque de ressources naturelles au sol a déplacé les jardins vers le haut et jusque dans la lumière. Une génération florissante de spécialistes pleins d'imagination veille au style et au prestige des projets : le luxe d'un jardin de ville requiert une idée à la fois unique et applicable, esthétique et sobre, tirant le meilleur parti des possibilités existantes. Qui aspire à admirer, depuis son jardin, la baie, l'horizon ou l'environnement urbain ; qui désire y trouver un refuge coupé du monde extérieur - ces attentes jouent un rôle déterminant dans la conception du projet. Grâce aux photos exceptionnelles qu'il comporte, ce livre embrasse la formidable diversité des jardins new-yorkais ; jusque-là, seuls les propriétaires de ces derniers avaient accès aux informations et aux images que l'auteur et la photographe livrent ici au lecteur. Trente lieux - allant des jardins botaniques mondialement célèbres, des jardins récupérés sur la ville elle-même aux très sélects jardins sur toit beaux à couper le souffle, en passant par les terrasses sans plantes des " jardins pour la vue " - illustrent les différentes facettes d'un univers fascinant, tout à la fois pragmatique et spirituel, riche en idées et en passions, en couleurs et en formes.

À l'occasion de restaurations récentes - 2008 - de nombreux édifices palladiens ont retrouvé leur ancienne splendeur. Une campagne photographique inédite rend hommage à l'architecte vénitien (1508-1580). Le volume adopte un point de vue thématique qui le distingue d'autres publications existantes. L'auteur, Fernando Rigon, grand spécialiste italien de Palladio, a choisi en effet de mettre l'accent sur l'analyse de certains aspects architecturaux et décoratifs, afin de mettre en évidence le rapport entre l'architecture et son contexte (la campagne ou la ville), entre les exigences de représentation et la fonction, entre la destination publique et la destination privée. Un chapitre entier est en outre consacré à l'architecture religieuse, représentée par les deux églises de Venise (San Giorgio Maggiore et Il Rdentore) et par la chapelle de la Villa Badoer, le « Tempietto ». Le grand format de ce livre permet de mettre en valeur les très belles photographies totalement exclusives et inédites réservées à cette édition.

Fondée au IXe siècle comme Etat indépendant, la République de Venise, dite Sérénissime étend progressivement son pouvoir et ses territoires vers la terre ferme et vers les côtes orientales de la mer Adriatique, jusqu'à devenir une véritable puissance économique, commerciale, maritime, qui aura son point culminant au XVIe siècle. Elle domine la Méditerranée pendant plusieurs siècles, jusqu'à la décadence qui coïncide avec les invasions napoléoniennes. La fin de la Sérénissime se situe en 1797. C'est dans ce cadre que se développe, sous l'impulsion des très puissants Doges de Venise, une école de peinture de grande renommée, qui portera ses artistes hors des frontières dans les cours de toute l'Europe : Titien sera appelé en Espagne, Tiepolo à Würzburg, Bellotto à Vienne et à Londres. Le livre de Filippo Pedrocco offre au lecteur un panorama vaste et très complet de la peinture vénitienne, provenant des musées, des églises et des palais de Venise, mais aussi des principaux musées du monde : de Paolo Veneziano, qui mélange aux traditions gothiques les apports byzantins, aux délicates Madones de Bellini, de Carpaccio à Véronèse, du sfumato de Giorgione aux couleurs de Titien, des vedute de Canaletto, Bellotto, Guardi jusqu'aux fresques des palais vénitiens de Tiepolo. Les illustrations sont constituées aussi bien de grands chefs-d'oeuvres que de peintures moins connues, les mosaïques et les fresques. Ce livre offre un panorama complet de l'art vénitien à l'amateur déjà séduit par les oeuvres que l'on peut admirer à Venise.

La place est, par excellence, le centre de la cité, l'endroit d'élection des rassemblements. Chacune de ces places possède son âme, son esprit propre, à partir desquels elle s'est constituée au cours des années - ou plutôt des siècles -, le plus souvent en fonction d'exigences élémentaires. Le temps l'a redessinée, perfectionnée, organisée selon des inspirations qui reflètent toujours la tendance à l'harmonie, tantôt poétique, tantôt rationnelle, inhérente à l'esprit humain, cette tendance qui le pousse à transformer, à sublimer les peines et les difficultés quotidiennes. Une beauté singulière semble ainsi jaillir tout particulièrement lorsque l'inventivité est parvenue à métamorphoser les endroits les plus " difficiles " - étroits, escarpés, asymétriques, accidentés. Il suffit d'évoquer la place de Massa Marittima, la Grand-Place d'Arezzo, la place della Cisterna de San Gimignano, la piazza del Vicario à Certaldo mais aussi, et surtout, le Campo et la place du Marché de Sienne, ces lieux modelés, façonnés par une imagination dans laquelle l'empirisme s'ajoute à l'intuition et à un goût qu'il faut apprécier jusque dans ses moindres nuances. La place fait partie du patrimoine d'une ville et c'est à ce titre que ce livre lui rend hommage, livrant au regard du lecteur le souvenir du cœur des cités toscanes tant aimées.

« En nous ne s'est pas endormie pour toujours la vibration des sensations répercutées de ce bon soleil de Provence (…), de ces horizons, de ces paysages, de ces lignes inouïes qui laissent en nous tant d'impressions profondes. »

Ainsi Cézanne évoquait-il sa terre natale, inépuisable source d’inspiration de son œuvre, comme elle le fut, dès le XVIIIe siècle, pour de nombreux artistes. Son charme bucolique, en continuité avec les façons de vivre du grand bassin méditerranéen, lui confère l’aura d’une autre Italie pour les artistes adeptes du Grand Tour. Quelques personnalités vont amorcer un renouveau qui a pour particularité d’exprimer la singularité de la lumière provençale. Ainsi Joseph Vernet (1714-1789) dont les célèbres vues du port de Marseille allient le spectaculaire panoramique aux détails pittoresques de la vie quotidienne locale mais aussi Hubert Robert qui peint à Ollioules et à Orange. Le peintre aixois François Granet (1775-1849), bien avant Cézanne, fait de la montagne Sainte-Victoire un motif central de ses toiles provençales. Autour des années 1850, sous l’impulsion d’Émile Loubon (1809-1863), se développe une tendance en rupture franche avec le style néo-classique, tendance qu’adopte un groupe d’artistes qui forme ce qu’on appelle l’École de Marseille. Leurs sujets naturalistes (travailleurs de la mer et de la terre, villages et sites du terroir) traités dans de larges perspectives offre une iconographie inédite du Midi.Bientôt sous « l’empire du soleil » (selon le poète Frédéric Mistral) se joue l’histoire de la modernité. Avec Cézanne d’abord ; ses vues de l’Estaque, puis les forêts rocailleuses de l’arrière-pays et, bien sûr, du côté d’Aix, la montagne Sainte-Victoire amorcent la remise en question de l’espace pictural et la couleur. Vincent Van Gogh découvre à Saint-Rémy-de-Provence « le pays des tons bleus et des couleurs gaies ». De cette période féconde, il laisse deux cents tableaux et une centaine de dessins dont se souviendront les avant-garde.À sa suite, les impressionnistes et néo-impressionnistes, puis les fauves trouvent en Provence le champ de prédilection de leurs expérimentations sur la couleur. D’Avignon à Nice, cette promenade dans la lumière nous conduit sur les lieux emblématiques – Arles, la montagne Sainte-Victoire, l’Estaque, le port de Marseille, Saint-Tropez, Antibes…– où les grands maîtres du XXe siècle, Bonnard, Matisse, Picasso feront définitivement entrer la Provence dans la légende de l’art

Cet ouvrage, porté par une réflexion sur les modes et les temps du baroque en Sicile, cherche à mettre en évidence ses spécificités, les traits qui le distinguent des tendances artistiques se développant, en parallèle, dans d'autres régions d'Europe. L'historien de l'art Giulio Carlo Argan a défini le baroque sicilien comme le " témoignage d'un effort moderne, le plus grandiose et le plus audacieux peut-être que l'île ait jamais fourni ". Ce point de vue très convaincant surtout si l'on considère les réalisations exceptionnelles qui ont été construites dans le Sud-Est de la Sicile, le Val di Noto, après le séisme de 1693 résume bien une opinion très largement partagée. Une opinion qui justifie que l'on s'intéresse aujourd'hui de plus près à cet âge d'or de l'île et que l'on en conserve le souvenir. Les photographies de Melo Minnella exaltent la virtuosité et l'inventivité des décors : pierres sculptées, marqueteries de marbres polychromes, stucs, fresques... De Palerme à Val di Noto, ce livre fait un tour d'horizon somptueux du baroque sicilien.

L'Égypte ancienne nous a laissé des oeuvres d'art d'une qualité exceptionnelle, qui impressionnent tous les publics, même les moins avertis. Il suffit de penser aux pyramides, aux bijoux, aux statues ou aux peintures qui ornent les tombes des pharaons : l'expression artistique des Egyptiens est un patrimoine collectif, un code iconographique resté presque inchangé pendant des siècles, et que n'importe qui sait reconnaître au premier regard. Ce livre présente un choix unique d'oeuvres égyptiennes, sous un angle inédit : en choisissant des détails surprenants et des cadrages insolites, le photographe Sandro Vannini est parvenu à mettre en évidence les formes, les couleurs et les signes qui sont l'essence même du " style égyptien ". Un style qui puise son inspiration dans la nature - l'eau, la végétation, les animaux - mais qui se charge aussi d'une forte signification symbolique, religieuse et divine. Les complexes funéraires et les sépultures, avec leurs splendides mobiliers et décorations, en sont le témoignage le plus éclatant et le plus accompli. Le voyage photographique ainsi proposé, agrémenté de huit planches dépliantes, qui permettent d'admirer au plus près la beauté des sujets photographiés, se veut un hommage à cette grande civilisation du passé, dont le langage visuel contient des éléments de modernité, riches en suggestions et susceptibles, aujourd'hui encore, de nous émerveiller.

Voici un tour du monde des textiles islamiques, superbement illustré de 700 photographies : tapis de prière brodés de Turquie, manteaux anatoliens en « ikat », bourses de tricot ottomanes, chaussettes ornées de perles des Balkans, voiles berbères, robes syriennes à motifs en réserve, calottes au crochet iraquiennes, tentures saoudiennes à décor appliqué, robes indigo du Yémen, sacs en soie rayée du Caucase, sarongs en batik d’Indonésie, lés étroits cousus bord à bord d’Afrique de l’Ouest.

L’Islam n’a pas seulement propagé l’une des grandes religions du monde depuis le VIIè siècle, il a aussi créé un vaste réseau commercial qui a permis de développer l’artisanat textile de façon considérable.
Le rejet des formes humaines ou animales a poussé les artisans à créer de riches décors, des motifs abstraits, à utiliser la vie végétale ou des formes géométriques, à s’inspirer de la calligraphie et de mettre fortement l’accent sur l’ornementation. Ne sont-ils pas les inventeurs de l’arabesque, ce motif de ligne courbe ininterrompue ? Ils ont créé le coton, la matière première privilégiée de l’habillement (en arabe qutun).

Parce qu’ils étaient d’abord nomades, cavaliers toujours en mouvement, ils devaient se charger le moins possible, leurs textiles leur servaient alors de tentes, de couches, de mobilier, de bagages et de décor. Ce fut l’origine de l’emprise qu’ils eurent sur cet art, perpétuant la voie créée par Marco Polo, la « route de la soie », semant leur savoir jusqu’en Mongolie, Afrique ou Asie du Sud-Est.

Le livre est organisée par région et chaque région est introduite par un aperçu historique. Ensuite sont décrites les traditions textiles propres à la région, identifiées par des sous-titres. Chaque technique est expliquée en détail, avec de captivantes informations sur les différents métiers à tisser, les matières premières, les teintures, les types de décors et les spécialités locales
Quelque 700 illustrations splendides, dont des photographies en couleur prises tout spécialement pour ce livre et de précieuses images d’archives, forment un panorama visuel exceptionnel. On peut y voir comment se produisent, s’utilisent, se portent ou s’exposent les étoffes d’un bout à l’autre du monde islamique. Leur variété est stupéfiante, depuis les tissus de coton, de chanvre ou de lin et les lainages jusqu’aux soieries et aux velours les plus somptueux, depuis les techniques du patchwork, du tressage et du tricot jusqu’à l’impression au bloc et la broderie de métal précieux.

Appuyée par une carte, un glossaire, une bibliographie et un guide des collections de textiles du monde entier, cette présentation détaillée d’un art textile d’une richesse inouïe est une mine d’informations inestimable pour le vaste public qui s’intéresse à l’artisanat du monde islamique.

Dans l'histoire complexe de Venise, le Seicento - le XVIIe siècle- n'est pas un siècle comme les autres : il a offert à la République la toute dernière occasion de réagir, y compris par les arts, à l'inéluctable destin qui l'a reléguée dans un rôle de plus en plus marginal par rapport aux événements politiques européens. C'est une période bien particulière, soucieuse de marquer visuellement le tissu de la ville par les signes majestueux du triomphe.

Le Seicento vénitien qui confond augures, rêves et illusions avec la réalité concrète, politique ou sociale, a eu pour mots d'ordre l'excès et l'emphase. Un goût certain pour la profusion ornementale, le grotesque et. le bizarre. Un désir effréné de " croître en grandeur ". L'intention était claire : il s'agissait de susciter l'émerveillement. Et pour ce faire, la ville s'est mise en scène. L'étonnante " représentation théâtrale " qui se déploie ainsi à l'intérieur mais aussi à l'extérieur des édifices finit par se diffuser dans tout Venise. Le baroque qui s’y décline est étroitement lié à la nature même de la ville, « fondée sur l’impossible », et à l’eau bien sûr, sa consistance si spécifique.

Au fil des ans, la vocation se tarit, l'élan triomphant s'épuise mais vers la fin du le XVIIe siècle et à l'aube du siècle suivant, on voit s'insinuer au côté du baroque un registre différent, plus détendu, dicté par l'esthétique naissante, le rococo, qui abandonne la fastueuse symétrie du baroque pour se tourner vers les petites choses et l'éphémère des sens, l'intime et l'impalpable. Cet ouvrage permet de retrouver les traces de la Venise fastueuse et débordante " et de découvrir la ville, autrement.