Les chapitres de ce dossier :

Retrace le parcours de cette artiste, cubiste de la première heure, de son premier séjour à Paris en 1906 à ses dernières commandes pour d'importantes décorations, dont celle du foyer du Théâtre à Lausanne.

Elle a la fraîcheur de ses vingt ans et l'impétuosité de l'artiste : exilée à Nice, Marie a gardé de sa Russie natale la sensibilité exacerbée, la mélancolie, et une intense envie de vivre.

Avec fièvre, elle peint, elle sculpte. Elle s'enthousiasme pour des hommes de tous bords, littéraires, artistiques et politiques. La « vierge slave » se rêve entre les bras de Guy de Maupassant, viveur sceptique et désespéré. À rebours de toutes les conventions, Marie Bashkirtseff va vivre sa vie comme on vit un roman.

Mais elle n'aura pas le temps de l'écrire, emportée à l'âge de vingt-quatre ans par la phtisie.

Pour la première fois, un auteur s'attache à rendre la dimension romanesque du destin de Marie Bashkirtseff (1860-1884). La tendresse de Raoul Mille pour son héroïne et la reconstitution minutieuse de la société de l'époque donnent à ce roman une sincérité et une émotion particulières.

Une redécouverte du Journal de M. Bashkirtseff augmenté des passages supprimés par la famille et les admirateurs trop zélés qui avaient ainsi falsifié la réalité de cette femme lucide, consciente des problèmes de la condition féminine au XIXe siècle.

Un hommage à cette artiste, lithographe, peintre, graveur, avec un catalogue de son oeuvre gravée en fin d'ouvrage.

"Les voies de l'art sont multiples et chaque artiste véritable exprime par ses créations les richesses de sa vie intérieure. Ce don de soi, le plus généreux de tous - car toute existence humaine y est contenue - rencontre des raisonnances souvent dissemblables selon chaque être respectif; au point que l'on est forcé d'admettre l'évidente subjectivité de l'appréciation de l'oeuvre d'art. Ceci n'est pas toujours vrai. Les réactions sont du même ordres chez tous ceux qui ont eu le privilège de vivre de prés la démarche créatrice de Christine Boumeester. C'est sa sensibilité délicate, qualité poussée à l'extrême, qui séduit chacun quels que soient son approche, sa formation personnelle, sa compétence ou ses préjugés.

Cette sensibilité trés consciente chez l'artiste, comme enracinée dans son comportement, semble absorber toute sa pensée, tous ses actes, toute sa poésie intime. Il semble inutile d'en parler car l'évidence de cette qualité s'impose. De même, le caractère oriental de son art peut être discerné par tout le monde. Elle en était pleinement consciente car la première partie de sa vie s'est déroulée en Indonésie. Il lui semblait tout naturel de rester empreinte de cet esprit, allant jusqu'à s'inspirer même de la peinture japonaise qu'elle affectionnait particulièrement." Editions du Cercle d'Art

Catalogue de l'exposition consacrée à l'artiste et femme de lettres, née en Angleterre en 1917 et vivant au Mexique depuis 1943. Présentation d'une trentaine de peintures et dessins couvrant toute sa carrière artistique, accompagnées de textes d'amis écrivains et poètes (O. Paz, A. Breton, V. Combalia, etc.).

Depuis la publication du Dossier Camille Claudel en 1987 jusqu'à sa rétrospective au musée Rodin au printemps 2008, l'artiste a connu une véritable réhabilitation. Pourtant, elle finit ses jours en asile psychiatrique après son internement en 1913, dans un abandon quasi total. L'essai reconstitue les raisons de cette longue période d'oubli ainsi que ses relations compliquées avec Rodin.

À la fin du XIX^e siècle, une jeune fille de dix-sept ans qui veut être sculpteur, c'est inconcevable, voire scandaleux. Or Camille se lance dans l'aventure à corps perdu. Un jour de 1883, elle rencontre Auguste Rodin. Le Maître accepte de la prendre comme élève ; bientôt il deviendra son amant. Suivent quinze années d'une liaison passionnée et orageuse d'où Camille sortira épuisée, vaincue... Elle mourra en 1943 à l'asile de Montdevergues, après un terrible internement qui aura duré trente ans, laissant au jugement de la postérité une oeuvre d'une rare puissance et d'une originalité visionnaire.

Monographie consacrée au peintre Colette Deblé. A travers son oeuvre, elle propose une approche de la femme dans l'art, telle qu'elle est représentée par les hommes depuis la préhistoire à nos jours. Son oeuvre exprime la volonté de recréer la femme auparavant livrée au regard masculin.

Ce catalogue expose les gouaches que Sonia Delaunay a peintes de 1923 à 1934 après un séjour au Portugal. A partir de 1924, l'artiste fonde l'atelier simultané où sont imprimés les tissus simultanés et où sont produits les accessoires. Elle se lance dans une recherche picturale de dessins pour tissus en établissant des relations entre des couleurs et des formes géométriques inspirées du Portugal.

Dans la lignée des expressionnistes du début du siècle dernier, ses peintures et ses dessins placent au coeur de son oeuvre les thèmes majeurs de l'existence : naissance, sexualité, amour et mort. Elle explore l'érotisme et le nu féminin, sujets traditionnellement abordés par les hommes.

À la fin des années 1780, Marguerite Gérard (1761-1837) était l'élève et la collaboratrice de son beau-frère et maître, Jean-Honoré Fragonard (1732-1806). La réalisation de la série de petits portraits reproduits dans l'ouvrage lui permit de lancer sa propre carrière, de se faire un nom, et de devenir une artiste en vogue. La présentation tout à fait inédite de cet ensemble est l'occasion d'aborder un chapitre méconnu de l'histoire du portrait. Elle offre également un éclairage nouveau sur le monde des artistes du Louvre et de l'opéra comique à la veille de la Révolution, tels que Jean-Honoré Fragonard, Hubert Robert, Claude-Nicolas Ledoux, Charles de Wailly ou encore Grétry.

Recueil de textes, principalement des lettres, signées de la main de Frida Kahlo (1907-1954), réunis et classés par ordre chronologique. Ils retracent la vie de Frida, ses amours, son accident, sa peinture, mais aussi son regard sur la vie politique, artistique et intellectuelle du Mexique de 1922 à 1954, l'année de sa mort.

Tamara de Lempicka a incarné avec éclat, dans le Paris des années vingt et trente, un moment heureux de la vie artistique. Son talent conjuge les séductions de la mode et les audaces du cubisme. Il incarne parfaitement l'esprit Art Déco. Cet ouvrage comporte le catalogue raisonné de son oeuvre.

À travers et au-delà du mythe, Odile Mir nous parle d'elle-même, de son histoire, car créer, c'est dire l'intime : en exprimant son intention dans chaque forme, l'artiste y transporte les caractères de son être le plus secret, inaperçus d'elle-même au moment où elle les manifeste. Elle est tout entière cachée mais présente dans cette empreinte d'elle-même. De son essence la plus particulière, de son regard sincère et grave, l'artiste tire une profondeur qui va concerner l'autre, le plus grand nombre d'autres. Ainsi, de son « moi » personnel, elle fait un objet d'universalité. En plaçant son oeuvre à l'abri d'un mythos, l'artiste reconnaît qu'il est en attente devant quelque chose, dont il entend le murmure, mais non la voix : « créer, ce n'est pas un choix, c'est antérieur à moi », souligne Odile Mir. Elle signifie par là qu'elle n'est pas à l'origine de ce qu'elle dit, de ce qui se dit dans son oeuvre, mais qu'elle est à l'écoute d'une autre parole, d'une parole de l'Autre, dont l'oeuvre porte la trace.

Exposition consacrée à l'une des plus importantes femmes peintres du XXe siècle : née à Chicago, Joan Mitchell (1926-1992) passa l'essentiel de sa carrière à Vétheuil, non loin de Giverny, deux lieux clés pour l'art de Claude Monet. Peintre abstraite, elle fait profondément référence à la nature dans des compositions immenses, lumineuses et dynamiques, dont quarante-six sont présentées.

A partir de l'analyse des 69 oeuvres qui lui sont attribuées, retrace la carrière de cette artiste spécialisée dans les natures mortes (1610-1696), présente ses commanditaires, ses motifs de prédilection, son évolution stylistique, etc. Avec le rapport d'analyse scientifique de 11 de ses oeuvres.

La correspondance entre Stéphane Mallarmé et Berthe Morisot retrace l'histoire de leur amitié qui débute à l'automne 1874 dans l'atelier d'Edouard Manet où posait la jeune Berthe et qui finit avec la mort de celle-ci. Mallarmé évoque les peintres impressionnistes et ses inquiétudes littéraires.

" Née en 1923 à Budapest, Marta Pan entreprend des études de dessin, peinture
et sculpture dès l'âge de 15 ans.
En 1947, elle arrive à Paris et rencontre Fernand Léger.
Un peu plus tard, elle rencontre Brancusi : « En me montrant Le nouveau-né,il lui a donné un petit mouvement. La sculpture s'est balancée, et Brancusi a murmuré :'Je crois que çà devait être comme çà la commencement du monde'. » Marta Pan ajoute : «  Depuis lors, j'aime les sculptures qui bougent naturellement.

Cette rencontre a été un enrichissement quia longtemps travaillé en moi jusqu'à mes sculptures en 1956. 
En 1952 Marta Pan épouse l'architecte André Wogenscky.

1954 : première sculpture en bois : L'ébène

1956 : collaboration avec Maurice Béjart pour le ballet Le teck avec la sculpture du même nom.

1957 : première sculpture en équilibre Balance à deux

1967 : création de dispositifs scéniques pour Jean-Louis Barrault et Maurice Béjart. Premières sculptures en plexiglas.

1994 : inauguration du Signal à la bifurcation des autoroutes A6/A46 au nord de Lyon exposition  à l'Isetan Museum of Art, à Tokyo.

Ainsi Marta Pan poursuit-elle son ascèse, d'œuvre en œuvre et de projet en projet : »Je rêve d'aller dans le désert, faire quelque chose, là ou il n'y a pas trop de contraintes, sinon le climat ? » Ce désert, cet espace absolu peut-il exister sinon comme sa propre création ? « un ailleurs, un monde serein en rupture avec ce qui l'entoure. Un enclave de paix. Et de silence ». Ajoutant le bruit de l'eau fait partie du silence »."

Editions du Cercle d'Art

Ce roman biographique relate l'histoire de Séraphine Louis (1864-1942), une domestique de Wilhelm Uhde, un grand collectionneur, devenue peintre autodidacte à l'âge de 42 ans. W. Uhde devient son mécène et consacre une exposition à Paris en 1928 aux peintres naïfs. Séraphine est bercée par la gloire mais le jour où W. Uhde lui retire son soutien, son destin rejoint celui de Camille Claudel.

Présentation des peintures de Maurice Utrillo, Suzanne Valadon et André Utter, à l'époque où les trois artistes ont travaillé dans un atelier de Montmartre, au 12 rue Cortot.

Peintre d'origine portugaise, Maria Helena Vieira Da Silva (née à Lisbonne en 1908 et décédée à Paris en 1992) a vécu au Brésil de 1940 à 1947. Elle a participé à de nombreuses expositions en France et à l'étranger. Présentation de son oeuvre et de son parcours.

TESTAMENT

"Je lègue à mes amis, un bleu céruleum pour voler haut, un bleu cobalt pour le bonheur, un bleu d'outremer pour stimuler l'esprit, un vermillon pour faire circuler le sang allégrement, un vert mousse pour apaiser les nerfs un jaune d'or : richesse, un violet de cobalt pour la rêverie, un garance
qui fait entendre le violoncelle, un jaune barite : science-fiction, brillance, éclat, un ocre-jaune pour accepter la terre, un vert Véronèse pour la mémoire du printemps, un indigo pour pouvoir accorder l'esprit à l'orage, un orange pour exercer la vue d'un citronnier au loin, un jaune citron pour la grâce,
un blanc pur : pureté, terre de Sienne naturelle, la transmutation de l'or, un noir somptueux pour voir Titien, une terre d'ombre naturel pour mieux accepter la mélancolie noire, une terre de Sienne brûlée pour le sentiment de durée." Editions du Cercle d'Art

Cet album met en relation l'itinéraire de M. Butor avec un choix de dessins inédits de Vieira da Silva.