La première partie est consacrée au XIXème siècle. A travers un large éventail de personnages qui ont gravité autour du piano, Dieter Hildebrandt nous raconte l'histoire de l'évolution du piano (de Cristofori à Erard), de la composition (Beethoven, Schubert, Brahms...), l'importance de l'instrument dans la bourgeoisie, son rôle social, esthétique, commercial.

Dans une seconde partie, il s'intéresse au XXème siècle. On y croise, bien entendu, les grands interprètes (Glenn Gould, Horowitz), les différents courants de composition (Debussy, Stravinsky, Scriabine, John Cage), mais également Scott Joplin et le ragtime, la musique de film, l'importance du piano dans le septième art, ou encore les dernières avancées techniques avec l'arrivée des pianos électriques.

Emaillé d'anecdotes, de personnages « secondaires », de nombreuses citations et illustrations, le Roman du Piano est avant tout une histoire du piano passionnée et distrayante, un autre regard sur l'histoire de la musique où l'important n'est plus d'établir une chronologie encyclopédique mais de rencontrer en toute simplicité des hommes et des femmes qui ont fréquenté, durant deux siècles, le piano.

Avec 275 compositeurs retenus, traités dans leur grande majorité, de façon exhaustive, ce dictionnaire du répertoire pianistique commente et analyse quelque 4000 partitions. Les oeuvres apparaissent dans l'ordre alphabétique.

Des précisions pour ce dictionnaire du répertoire pianistique telles que : dates de composition, de publications et de création des oeuvres, mention des événements dédicataires, contexte historique et culturel, mention de la faveur et de la défaveur de ces partitions au fil du temps, degrés de difficulté...

Ludwig van Beethoven naît à Bonn en 1770 au sein d'une famille de musiciens. Précocement, il manifeste son génie d'interprète et de compositeur. Élève de Christian Gottlob Neefe à Bonn, puis de Joseph Haydn à Vienne, il sera soutenu par quelques-unes des plus grandes familles de l'époque, les Waldstein à Bonn, les Lichnowski à Vienne... À partir de 1802, une surdité croissante l'éloigne des mondanités tandis que se multiplient les naufrages amoureux et les déboires familiaux. Il n'en élabore pas moins une oeuvre d'une richesse exceptionnelle : trente-deux Sonates pour piano (dont la Pathétique, la Sonate clair de lune, l'Appassionata), seize Quatuors à cordes, neuf Symphonies (dont l'Héroïque, la Pastorale, l'Hymne à la joie), un opéra - Fidelio -, deux Messes... Philippe A. Autexier évoque les osmoses de cette vie de tempêtes et de créations sans équivalent.

La musique de Satie est taillée dans une matière émue. Il n'y a pas une seconde de perdue pour l'émotion. Musique de la solitude - elle ne ressemble à aucune autre. Elle est la musique de la pudeur, de l'anti-éloquence, certes ; mais cette musique, où toutes les notes ont un sens, est aussi le domaine de la précision.

Ici pas une note dont la place ne soit longuement calculée, qui ne soit pierre d'une austère architecture, qui ne soit prise dans un système qu'il s'impose et dont il change à chaque fois. Il n'est pas deux pièces - ou deux séries de pièces - qui utilisent exactement le même procédé d'écriture et de construction. Et le prodige, c'est que le résultat soit d'une apparente simplicité, et qu'une musique aussi lucidement calculée, semblant couler de source, soit chargée d'une telle tendresse.

Jean-Joël Barbier s'est attaché à nous communiquer son «étonnement» devant le miracle de cette oeuvre, telle que ses précieux enregistrements nous ont permis de la découvrir.

Conçu en forme de proposition pour un "concert-dialogue" consacré à des œuvres pour piano de Stravinsky, une sorte de collage rassemblant notices, analyses, accompagnements, éclaircissements, souvenirs, arguments, expositions, citations.

Si Chopin donna très peu de concerts publics, n'éprouvant aucun goût pour l'estrade et les vastes assemblées, il fut en revanche un professeur extrêmement recherché, attirant à Paris de nombreux élèves, venus souvent de pays fort éloignés.

Pressé par ses disciples et ses amis, soucieux de conserver témoignage d'un enseignement exceptionnel, Chopin commença à rédiger une méthode de piano, laissée inachevée au moment de sa disparition. Les notes et esquisses relatives à ce projet furent alors passablement dispersées comme autant de reliques d'un être déjà entré dans la légende. Dès lors, innombrables furent les pianistes qui se réclamèrent de son enseignement, invoquant, pour élargir parfois une clientèle crédule, ce véritable talisman pianistique qu'est le nom de Chopin.

Jean-Jacques Eigeldinger a retrouvé, rassemblé et décrypté les diverses sources manuscrites, rédigées en français. Il en présente ici une édition complète, augmentée de témoignages et de fac-similés essentiels à une meilleure approche de l'enseignement, toujours actuel, d'un maître inégalé.

Biographie du compositeur Frédéric Chopin rapidement reconnu comme un pianiste virtuose qui puisa dans la matière de la musique populaire de son pays pour en extraire une oeuvre musicale originale. Il fréquenta les grands artistes romantiques de son époque et fut l'un des porte-parole de ce courant. Il influença de nombreux compositeurs tels que B. Bartok, A. Dvorak ou encore Z. Kodaly.

De Debussy à la musique contemporaine de ce début de XXI^e siècle, le « son » est devenu l'un des enjeux centraux de la musique. Relire l'histoire de la musique depuis un siècle signifie en partie lire l'histoire mouvementée de l'émergence du son, une histoire plurielle car composée de plusieurs évolutions parallèles qui, toutes, nous conduisent d'une civilisation du ton à une civilisation du son.

Le livre de Didier Guigue pose de nouveaux jalons importants, car il se propose d'analyser l'émergence de la sonorité comme phénomène d'écriture, phénomène justiciable d'une approche holistique. L'auteur nous propose de l'aborder à travers un répertoire d'oeuvres pour piano qui, partant de Debussy, passe par Messiaen, Boulez, Stockhausen, Berio, Crumb et Lachenmann, compositeurs qui, chacun à sa manière, ont cherché à développer une conception intégrée de la totalité du phénomène musical, au moyen de stratégies d'écriture capables de résoudre des problèmes formels. Pour élucider ces stratégies, Didier Guigue propose une méthode, dans laquelle la sonorité se définit comme synthèse de composants qui interagissent en complémentarité.

On continue parfois à critiquer la musique contemporaine en disant qu'elle n'est pas « compréhensible » car chaque compositeur développe son propre langage. Ce livre montre qu'une approche holistique basée sur la sonorité permet de les situer au sein d'une esthétique commune, une esthétique de la sonorité.

Biographie de Liszt (1811-1886), dans laquelle le savoir historique et biographique s'allie à la richesse de l'évocation. Par un romancier hongrois (1889-1943), également poète, librettiste et traducteur.

"Il donnait ses leçons pour vivre et parfois, lorsque ses doigts ne supportaient plus les efforts violents et cruels, il lisait pour se reposer. Tout, à tort et à travers. De nouveau il avait cessé de fréquenter la société, il rencontrait à peine ses amis. Balzac lui aussi était très occupé. Victor Hugo travaillait à un grand roman qui avait pour cadre l'église Notre-Dame. Berlioz n'était pas à Paris, Musset courait constamment le jupon. Et lui, il restait assis pendant des heures interminables au piano et luttait avec lui comme avec un démon. Ce fut un combat effroyable."

L'itinéraire du jeune Liszt est ici restitué par un biographe attentif et complice qui, de Doborján (Autriche) où naquit le virtuose en 1811, à Vienne où il fit ses classes, en passant par l'Allemagne et Paris où il vint parfaire son éducation musicale et devint le familier du cercle romantique, le suit pour l'accompagner ensuite, compositeur au faîte de sa gloire, à Weimar, Dresde, Budapest, Rome ou Leipzig puis à Bayreuth où il mourut en 1886.

Biographie du compositeur espagnol Manuel de Falla. Né à Cadix en 1876, son éducation musicale débute par des leçons de piano. Il déménage par la suite à Madrid et poursuit ses études avec le professeur Trago. Il étudie ensuite la musique avec Pedrell, qui fut à la base du renouveau de la musique espagnole à la fin du XIXe siècle.

En écoutant Bach jouer de l'orgue un jour de 1720, Anna Magdalena, fille de musicien et musicienne elle-même, sait qu'elle fait la rencontre d'un génie. Cette première émotion ne la quittera plus et la conduira à être l'écoute la plus fidèle et la plus attentive de la passion et des tourments du Cantor.

Ce sont ces échos intimes et quotidiens que fait résonner La Petite Chronique d'Anna Magdalena Bach : l'exigence et la bonté de Bach à l'égard de ses élèves, ses relations difficiles avec des collègues envieux et des autorités chicanières, sa passion pour l'orgue, sa virtuosité, ses enfants, ses lectures...

Plus que l'écriture d'une vie, La Petite Chronique d'Anna Magdalena Bach est le regard intimiste et profondément amoureux d'Anna sur Sebastian, mari, père, professeur et maître.

Pourquoi Schumann? Comme sa musique, le musicien ne va pas de soi : connu, et tout autant méconnu, cent cinquante ans après sa mort, il attend toujours d'être reconnu. Il est mal aimé ou aimé pour de mauvaises raisons. Sa vie brève et ses effondrements psychiques l'enferment dans le cliché du compositeur fou, alors que toute son oeuvre est un émouvant témoignage de la lutte contre la folie. Dans certaines compositions, les faiblesses ont masqué les chefs-d'œuvre. Son amour douloureux pour Clara Wieck, connue enfant et devenue sa femme après d'interminables conflits, n'est pas la mièvre romance que l'on croit. Schumann touche moins pour sa vie romanesque ou sa sensibilité romantique que pour les questions essentielles qu'il pose : sur l'être, la douleur, le corps, le temps, le langage. Schumann est cet étranger qui toujours le restera, ce lointain si proche, ce dissemblable, ce frère. Il dit quelque chose qui n'est dit nulle part ailleurs et ses voix intérieures ne s'ouvrent, comme certaines fleurs, que la nuit venue. Michel Schneider, musicologue et psychanalyste, nous aide à les entendre.

Texte du film de Jean-Marie Straub et Daniel Huillet à partir du Nécrologie rédigé par Philip-Emmanuel Bach, de la célèbre Chronique d'Anna Magdalena Bach et des lettres de Johann Sebastien Bach.

Le jeu d'Arrau se caractérise tout d'abord par un scrupuleux respect du texte. Il savait faire respirer le texte et ses interprétations sont des modèles de l'art de faire sonner et de timbrer le piano. Ne le cédant en rien aux virtuoses du clavier tels Horowitz, sa technique, héritage directe de la technique de Liszt, fait merveille dans les œuvres les plus ardues du répertoire telles que les variations Paganini de Brahms. Pianiste à l'idiôme poétique métaphysique, artiste angoissé (champion des traitements de psychanalyse), il avait ce toucher de velours que plusieurs pianistes lui enviaient. Sa «patte» léonine montrait une dynamique éblouissante qui, bien souvent, donnait l'impression qu'il jouait sur un clavier dont l'étendue dépassait les 88 notes. Rares sont les pianistes qui furent aussi à l'aise à la fois dans Beethoven et dans Chopin. Claudio Arrau savait les revisiter avec un souffle mélodique toujours intense, inquiet, ténu mais d'une précision psychologique exceptionnelle.

Ecrite par un pianiste viennois et une musicologue, cette étude apporte un intérêt à tous ceux qui sont confrontés aux difficultés que pose l'interprétation de Mozart.

Paul Badura-Skoda, est l'un des plus grands interprètes pianistes actuels de Mozart. Attaché à l'étude minutieuse des sources et à la correction des éditions musicales largement fautives dont disposent le plus souvent les musiciens, Paul Badura-Skoda a procédé à nombre de révisions qui font désormais autorité; sa profonde connaissance des grands auteurs lui a permis de proposer d'excellentes cadences de plusieurs concertos de Mozart.

Proches des facéties de Mozart au début de ce recueil, ces petits poèmes, en forme d'aphorismes ou de comptines, du pianiste de réputation mondiale (né en 1931) retrouvent parfois les accents sombres ou étonnants de Beethoven à la fin de sa vie, ou les tonalités tragiques du Schubert de La jeune fille et la mort.

Une réflexion sur la mission de l'interprète où transparaît l'amour du métier et l'expérience d'un grand pianiste.

«Je suis un lirico spinto », aime à répéter Aldo Ciccolini en référence à cette voix lyrique puissante et surtout incisive. Alors que certains parlent d'alchimie, il vous répond sacerdoce et mission. Car Aldo Ciccolini se définit comme un passeur, un messager, habité depuis l'enfance par une unique exigence intérieure: saisir l'essence de la musique pour mieux en transmettre le message.

Fruit de ses entretiens avec le pianiste Pascal Le Corre, son ancien élève et ami, ce livre est l'occasion de revisiter «de l'intérieur» le parcours de cet artiste hors du commun : sa formation à Naples où la promesse d'une carrière d'enfant prodige ne suffit pas à le détourner de sa quête artistique ; son installation en France, sa patrie de coeur, ferment de culture et de liberté, où il enrichit sa vision de la musique et de l'Art au contact de Marguerite Long, Alfred Cortot mais aussi d'acteurs comme Marie Marquet ou d'écrivains tels Jean Cocteau ; son rôle de pédagogue au Conservatoire de Paris qui lui permet de transmettre l'originalité de sa demande artistique.

Evocation d'Alfred Cortot (1877-1962) ce pianiste virtuose, décrit à la fois comme génial et fulgurant, et capable de faire des fausses notes, et de ses concerts.

Regroupe des notes prises par le pianiste Glenn Gould en 1977 et 1978 et une sélection de correspondances. Il y explique sa vision de la composition et de l'interprétation musicales, l'importance de la posture du corps et des mains, ses relations avec les autres musiciens, les producteurs de disques et les agents.

Les souvenirs de l'une des figures marquantes de l'Europe musicale du XIXe siècle, représentant majeur de la critique. Un témoignage suggestif et vivant sur les principaux interprètes de la musique romantique pour piano : Liszt, Chopin, Tausig, Henselt...

Le portrait d'Yves Nat (1890-1956) qui avait une telle considération pour son art qu'elle le conduisait à en repousser sans cesse les frontières, à franchir les bornes du lieu commun et de la facilité. C'est surtout le pianiste qui est entré dans la légende, et dont la carrière interrompue pendant 17 ans lui permit d'être aussi compositeur et professeur au Conservatoire de Paris.

À l'occasion du cinquantenaire de la mort d'Yves Nat (1890-1956), Chantal Auber et Mona Reverchon nous livrent leurs entretiens sur ce grand musicien.

Elles veulent rendre hommage à cette inoubliable figure de la musique et rappeler qu'il fut non seulement un merveilleux pianiste mais aussi un compositeur et un précurseur génial.

Quand le pianiste Samson François meurt, âgé de 46 ans, le 22 octobre 1970, son fils Maximilien a 15 ans. Quelques mois plus tard ce dernier s'envole pour les Etats-Unis... loin de la Seine... loin de la scène qui, lui semble t-il alors, a englouti son père. Cette blessure est inscrite au cœur de son histoire. Il tourne alors le dos à la mémoire de l'un des derniers monstres sacrés du piano et à la musique classique qu'il a étudiée très jeune et se passionne pour le rock, le jazz et les musiques du monde. Les paysages et la culture du Sud Ouest des USA vont le séduire. A Big Mountain en Arizona ou dans les Black Hills au Dakota, il participe aux luttes des tribus indiennes pour la préservation de leurs terres. Accompagné d'une amie, Valérie Quincy, il projette des films d'information sur les dangers du nucléaire et la menace qui pèse sur la santé des tribus installées sur ces terres regorgeant de mines d'uranium. Avec ce cinéma ambulant, il découvre le Nouveau-Mexique. Sous le ciel baigné de lumière de la «Land of Enchantment» qui attire peintres et écrivains, il recommence à jouer au piano ses propres compositions. Depuis une dizaine d'années, Maximilien a retrouvé une multitude d'archives et de documents filmés ou sonores consacrés à son père.

Tout au long de ces 30 variations, l'auteur et le lecteur accompagnent Gould dans son voyage immobile de Toronto à Toronto, à la recherche de l'extase. C'est aussi une méditation sur la musique, calquée sur l'Aria et les trente variations dites «Goldberg».

Idil Biret a étudié au Conservatoire national supérieur de musique de Paris sous la direction de Nadia Boulanger, puis avec Alfred Cortot. Depuis sa seizième année elle donne des concerts dans le monde entier, jouant sous la direction des plus importants chefs d'orchestre du XXe siècle, notamment Pierre Monteux, Hermann Scherschen, et tant d'autres.

Étrange destin que celui de cette femme enviée, admirée, mais aussi parfois violemment critiquée. Aujourd'hui, quelque deux millions de disques - plus que Glenn Gould - ont été diffusés dans le monde entier. Idil Biret joue tout, absolument tout. Elle possède une culture et une curiosité sans limites, une mémoire inimaginable et sans faille. Son répertoire, qu'elle connaît par cœur, couvre pratiquement toute la littérature pianistique.

Poète du clavier, Bill Evans n'a jamais cultivé le piano pour lui-même mais bien comme un moyen de produire de la mélancolie, de l'harmonie, du lyrisme. Il ne cherche nullement à imiter ses modèles mais s'efforce de capter l'essence de leur art et de s'en imprégner. Plutôt qu'un parcours biographique traditionnel, c'est le récit d'un cheminement stylistique qui est ici conté.

Le narrateur est hanté par des cauchemars qu'il passe son temps à noter. Un jour, il découvre un enregistrement d'un concert du célèbre musicien de jazz américain Bill Evans. Les morceaux de piano viennent alors chasser ses cauchemars et imprégner toute son écriture. L'auteur donne à entendre, à travers les mots, la musique de Bill Evans.

«32. Les étoiles s'éteignent (Turn Out the Stars), se rallument en cette féerie, ce feu d'artifices, comme si trop épaisse, insondable la nuit tant convoitée soudain le menaçait d'un vertige où mains et clavier se séparant le laisseraient lui pianiste s'évanouir en un silencieux trou noir.

Peut-être faudrait-il interpréter ainsi son obstination, une semaine avant sa mort, à vouloir honorer cet engagement de huit soirées (puis à rajouter la neuvième, le lundi 8) au Keystone Korner de San Francisco.

Aurores, fluorescentes poussières dispensées à pleines, vigoureuses brassées, il les laisse s'estomper, clignoter encore, puis mourir incandescentes à son rythme, son tempo.

Comme on voit un accident se dérouler indéfiniment freiné, irrésistiblement emporté.

Tout un monde, presque un siècle en quelques mesures - le tempo de son silence, où renaissent bien claires étoiles rouges et bleues, palpitant hors de portée, éclaboussant les limites repoussées de l'univers.»

La Preuve par neuf s'attache à trois trios essentiels des mondes du jazz : ceux qu'auront dirigés (avec quelques variations de personnel) Teddy Wilson, Duke Ellington et Ahmad Jamal. Formule canonique, coeur du mouvement jazzistique et de ses tensions esthétiques comme l'est le quatuor à cordes dans la musique classique occidentale, le trio piano-basse-batterie est tour à tour territoire d'expérimentation et de méditation, lieu d'invention (Ahmad Jamal, Bill Evans) et de fixation des règles (Teddy Wilson, Bud Powell) ; lieu aussi de rêverie (exemples innombrables). Par l'attention sensuellement accordée à trois de ses sommets, Alain Pailler offre de ces singuliers entrelacements du risque et de la séduction une analyse savante et d'abord amoureuse - qui se clôt, hors tempo en quelque sorte, par une lumineuse évocation de l'univers de Bill Evans -, portée par des qualités d'écriture unanimement saluées à l'occasion de la parution de ses deux grands hommages au Duke.

Au pianiste essentiel de la modernité jazzistique, au créateur de thèmes devenus purs "standards", Enrico Pieranunzi a dédié un ouvrage dont la valeur de référence s'impose. Écrite, attentive (mais délicatement) au tragique d'une aventure personnelle qu'elle veut comprendre, l'étude du pianiste et compositeur italien prend d'abord de l'intérieur la musique de Bill Evans. Sachant la dégager de tous les lieux communs d'écoute - de réception, de commentaire -, soulignant sa force novatrice, elle s'attache à faire entendre temps par temps, dans la meilleur souci de précision, la naissance et l'évolution d'un style. Elle en éclaire les déterminations, apprécie les implications et, ?uvre en soi, toujours engage ses analyses - à la mesure d'une rectitude : celle du regard d'un grand musicien sur un autre, qui fut son premier inspirateur.

Génie du piano, Martial Solal est, à 80 ans, le jazzman français de référence. Adulé par les grands maîtres américains et les concertistes classiques, héros de la Nouvelle vague, improvisateur et compositeur, il a connu une carrière exceptionnelle qu'il raconte ici avec humour.

 « La personnalité de Martial Solal s'est révélée de bonne heure. Au fil des pages de ce livre, on verra se dessiner le portrait d'un jeune musicien exigeant et lucide. Exigeant envers lui-même : s'il accepte les influences - mieux : s'il les revendique -, il se garde de copier qui que ce soit. Lucide : il voit bien qu'autour de lui, hormis Django Reinhardt, on joue " à la manière de ", et, pour ne pas donner dans ce travers, il s'interdit d'écouter les disques. Quant à la musique commerciale, qu'on appelle parfois populaire, mais qu'il qualifie plus judicieusement de " musiquette ", il la déteste, comme il déteste les faiseurs et les frimeurs. En revanche, il ne cache pas sa fierté d'avoir partagé le podium avec un Lester Young, un Lee Konitz ou un Dizzy Gillespie. Avec le regret d'une absence, celle de Charlie Parker, son dieu... » André Hodeir, extrait de la préface.

Né à Alger en 1927, Martial Solal est assurément l'un des musiciens qui ont doté le jazz d'une nouvelle identité stylistique, marquée par l'Europe. Il faut déceler plus qu'un hasard dans le fait que la dernière séance d'enregistrement de Django Reinhardt fut aussi, au printemps de 1953, la première pour le pianiste. Le grand compositeur, musicologue et écrivain André Hodeir voit en Martial Solal un improvisateur sans égal en Europe. Par sa liberté tonale, son effervescence rythmique faite de ruptures, de bifurcations incessantes, la musique de Martial Solal (qu'elle soit écrite ou improvisée) accomplit ce qui fut depuis toujours son ambition musicale : doter le jazz du langage et des oeuvres qu'il mérite, à hauteur même de l'importance d'une musique qui n'a jamais cessé de se transformer, depuis sa naissance à l'orée du XXe siècle.

C'est chez lui, dans sa maison de Chatou, que Martial Solal nous a accordé cet entretien. Il y évoque très largement sa vie, son parcours musical, ses rencontres, sa perception du jazz, de son histoire, et la place de son instrument, le piano, dans cette large mise en perspective.