Une ancienne légende fait remonter l'origine de la peinture à l'initiative d'une jeune fille qui circonscrivit sur un mur l'ombre de l'homme qu'elle aimait avant qu'il ne parte pour un long voyage. Cette naissance "en négatif" de la représentation artistique occidentale est sans doute significative. En effet, la peinture fait son apparition sous le signe de la dialectique absence/présence (absence du corps/présence de sa projection). Ce passionnant ouvrage, situé au point de rencontre de la représentation artistique et de la philosophie de la représentation, se propose de poser les jalons de cette histoire qui conduit du mythe des origines à la photographie et au cinéma, à travers les expériences les plus significatives de l'utilisation de l'ombre dans l'art occidental.

Si les ombres font partie de notre expérience visuelle et s'il arrive que nous y prêtions attention, leur rôle dans notre connaissance du monde, et singulièrement en peinture, reste mystérieux. Michael Baxandall, poursuivant une réflexion engagée de longue date sur l'attention visuelle, confronte les oeuvres et les réflexions d'artistes comme Largillierre, Oudry et Chardin aux théories d'hommes de science comme Bouguer, Forney ou Lambert, ou de philosophes, comme Diderot. Tout un « débat sur l'ombre » qui fit rage en France au XVIII° siècle... Puisant dans les recherches les plus récentes sur la perception et mobilisant, notamment, les apports des sciences cognitives et de l'infographie, il propose aussi une lecture nouvelle d'oeuvres classiques (Giotto, Masaccio) et montre tout le parti qu'on peut tirer de cette investigation dans l'analyse du Jeune Dessinateur de Chardin, dont la peinture de l'ombre est à la fois le médium et le thème. Esthétique, pratique artistique et théorie de la connaissance convergent ici avec la science optique pour explorer d'une façon originale une composante de la perception visuelle familière à l'historien de l'art, mais, curieusement, encore fort peu étudiée.

Edité et traduit de l'anglais par Pierre-Emmanuel Dauzat.

Les artistes se servent des ombres portées pour attirer l'attention sur l'éclairage du tableau et pour donner plus de solidité aux objets qui interceptent la lumière. Ces ombres peuvent contribuer au climat d'une peinture. Pourtant, comme le souligne E.H. Gombrich, elles n'apparaissent que çà et là dans l'art occidental, qui a plutôt tendance à les oublier ou à les éliminer.

Traduit de l'anglais par Jeanne Bouniort.

Un livre célèbre, un des chefs-d'oeuvre de Tanizaki, surtout une des meilleures introductions à la civilisation nipponne et plus largement asiatique, éclairant les arts et coutumes du pays du soleil levant, dont on sait qu'il privilégie par dessus tout la science des ombres : d'où, par exemple, son recours rituel et artistique à la matière laquée, qui brille même dans l'obscurité...

« Les porteurs d'ombre travaillent dans l'infra-mince » : telle est l'énigmatique définition que Marcel Duchamp donnait de l'activité artistique. L'ombre dont il est ici question est de celles qui s'opposent aux Lumières, c'est-à-dire qu'elle tombe depuis la pointe de l'archaïque, et l'art qui est pris dans son cône s'affranchit du cadre de la modernité. Les porteurs d'ombre - entendons les artistes - ne sont pas des fabricants ou des producteurs (qui feraient de l'art), mais des travailleurs qui font dans l'art (comme on fait dans la dentelle).

L'art contemporain est divisé entre le tout-art et le retour aux valeurs traditionnelles du métier, du beau, du goût. En s'appuyant à la fois sur l'anthropologie, la philosophie et l'histoire de l'art, l'auteur démontre ici que les oeuvres contemporaines les plus inattendues répondent à une idée de la représentation en évolution depuis le XVIIe siècle

L'analyse de la perception visuelle des corps permet d'élaborer un savoir-faire pictural dit de représentation, par l'usage des différents procédés et artifices de graphisme, de dessin, de tracé et de rendu des valeurs d'ombres et de lumières. Cela est réalisé à l'aide de certaines fractures et simulations de matières en vue de créer les images évocatrices d'un objet imaginaire et préfigurant un projet ou un édifice futur : images d'architecture, images techniques et images picturales..

Dans la mythologie, l'ombre est un des sièges universels de toutes les croyances. Pour Jean-Denis Haberstich, né dans le Canton de Vaud et qui enseigne la photographie à Genève, l'ombre, ce sont les formes qu'elle dessine, ses jeux avec la lumière, et la magie de ses variations suivant différents paramètres (heure, situation, éclairement...).

Le sous-titre du livre : "Essai sur la mélancolie et l'angoisse dans les oeuvres de Mario Sironi et de Paul Klee entre 1933 et 1940" dit à la fois l'ambition des recherches et la précision du cadre historique dans lequel elles s'inscrivent. L'italien Sironi (1885-1940) et le Suisse Klee (1879-1940), deux peintres bien différents, voire aux extrêmes de l'expérience artistique de notre modernité. Aux extrêmes aussi de l'expérience historique : Klee victime des nazis et devant trouver refuge en Suisse, Sironi abandonnant la peinture de chevalet pour, dix ans durant, épouser les thèses fascistes d'un art populaire et monumental. A l'urgence (les événements, la maladie, l'angoisse) à laquelle Klee se voit contraint de répondre par une création incessante est opposée la mélancolie de Sironi qui sombre de plus en plus dans un ennui pétrifiant. Il ne s'agit pas pour l'auteur de retrouver par-delà ce qui diffère radicalement (temporalités, modalités, intensités, climats...) quelque supposé point commun. Mais de questionner le mode d'apparition, à partir d'expériences divergentes, d'oeuvres qui, par leur présence même, interrogent le visible, en révèlent les nappes les plus enfouies, donnent à voir "l'invu" (les ombres, la matière nuit) avec et contre lequel elles luttent.

L'artiste est inventeur de lieux. Il façonne, il donne chair à des espaces improbables, impossibles ou impensables : apories, fables topiques. Le genre de lieux qu'invente Claudio Parmiggiani dans la série d'oeuvres intitulée Delocazione passe d'abord par un travail avec le souffle : c'est une lourde fumée qui exhale et dépose sa suie, sa cendre, sa poussière de combustion, créant ici toutes les formes à voir. Le résultat : une immense grisaille, un lieu pour l'ascèse de la couleur, l'absence des objets, le mouvement imprévisible des volutes, le règne des ombres, le silence d'une nature morte obsidionale. L'air devient le médium essentiel de cette oeuvre, il s'éprouve comme une haleine expirée des murs eux-mêmes. Il devient le porte-empreinte de toute image. Impossible, dès lors, de ne pas interroger ce souffle - qui détruit l'espace familier autant qu'il produit le lieu de l'oeuvre - à l'aune d'une mémoire où l'histoire de la peinture rencontrera les fantômes d'Hiroshima. Cet air mouvant, densifié, tactile, exhale d'abord du temps : des survivances, des hantises. Le résultat est un genre inédit de « l'inquiétante étrangeté ». Et c'est dans la poussière et les ombres que nous aurons à le découvrir.

" Respirer l'ombre est la part dévolue au langage du surprenant dialogue, pour le reste prioritairement fait de gestes, avec ce que nous appelons la nature, entamé par l'artiste voici plus de 35 ans. Un dialogue dont on remarquera qu'il est toujours mezzo voce : la conscience qu'a Penone d'une fraternité avec les pierres ou les plantes (il sait, comme Klee, que l'homme "est nature, morceau de nature dans l'aire de la nature"), sa familiarité décontractée avec l'Antiquité (l'Italie n'est-elle pas ce pays où l'histoire de l'art tient lieu d'histoire tout court ?) le fait converser d'égal à égal avec l'arbre et le ruisseau, tutoyer leurs divinités tutélaires (empruntées surtout au panthéon gréco-romain, mais s'y invite ici ou là un dieu exotique). Respirer l'ombre peut se lire comme un recueil de récits mythiques, de paraboles fondatrices, sans qu'on puisse y déceler la moindre trace de pathos ou de grandiloquence ; le mythe prend des allures du haïku cher à Roland Barthes, et les textes de Penone parlent des choses cachées et des commencements du monde avec la précision économe et discrète d'un journal de bord. " Illustré par des gravures originales de Giuseppe Penone.

Né en 1947 à Garessio, en Italie, Giuseppe Penone est associé au mouvement de l'Arte Povera, fondé par le critique d'art Germano Celant à la fin des années 60, qui prône un art engageant notamment une réflexion sur la relation entre nature et culture. Il mène une œuvre de sculpteur extrêmement personnelle.