Les chapitres de ce dossier :

Il n'est guère de discours sur le théâtre, aujourd'hui, qui n'en déplore la crise. Ce mot commode recouvre des constats disparates : depuis la désaffection du public jusqu'à l'incertitude des gens de théâtre sur l'avenir de leur art. Et chacun d'incriminer pêle-mêle la panne d'inspiration des auteurs dramatiques, la concurrence spectaculaire des images technologiques ou le prix élevé des fauteuils d'orchestre...

C'est oublier que le théâtre vit de ses propres crises. Quand sa forme semble se perdre, c'est que, comme Protée, il est en train d'en changer. Théâtre d'acteurs, théâtre de textes, de metteurs en scène, de dramaturges : autant d'avatars aux XX^e et XXI^e siècles de son génie polymorphe.

Nous assistons à une nouvelle mue, plus importante que toutes celles-là, puisqu'elle porte sur l'illusion théâtrale elle-même. Le théâtre contemporain substitue le « décadrement » à la représentation, le jeu de la figuration aux prestiges de l'illusion ; et il invente un nouveau rapport avec le public, qu'il émancipe en le dé-fascinant.

Ce numéro tente d'analyser ce grand mouvement. Il suit les lignes de fracture qui traversent le monde du théâtre. Il explore ses zones de conflits. Il examine la façon dont sont reposées les questions de la mise en scène, de la dramaturgie, de la traduction. Il a en somme pour ambition de figurer ce champ de forces, cet agôn, sans lequel le théâtre n'existe pas ; et de montrer en quoi le théâtre ainsi redéfini reste, dans la cité, une présence nécessaire.

Quel est désormais le statut du personnage sur la scène de la représentation théâtrale aujourd'hui? Quelle place ce personnage de papier occupe-t-il ? En traversant l'histoire du personnage de théâtre, avant son incarnation par le truchement de l'acteur, Robert Abirached aide à comprendre le parcours qui conduit de la figuration à la défiguration de la scène occidentale depuis un siècle et renvoie à la place de l'image dans le monde actuel, entre réel et imaginaire.

Le critique de théâtre qui veut posséder largeur de vue, ouïe fine et laisser libre cours à la surprise se doit d'observer une attitude d' accompagnateur. Sa démarche critique se nourrit de lectures, de rencontres, d'échanges avec l'ensemble des artistes de la scène. C'est à ces dispositions d'esprit et de corps qu'incite le livre sensible et léger de Georges Banu dans lequel l'ombre portée du passé rejoint l'actualité théâtrale la plus récente et par cette confrontation comparative, réussit des exercices d'admiration à mi-pente.

Face au mépris de plus en plus inquiétant du monde politique à l'égard des arts et des artistes de scène, défendre la nécessité de la création scénique et montrer sa vivacité relèvent de l'urgence. Or, pour combattre une telle hostilité et un tel rabaissement de l'art à des pourparlers entre gestionnaires, on ne peut se contenter d'appeler au renouveau d'un théâtre identitaire et communautaire, ni se satisfaire de démarches artistiques moralisatrices qui opèrent une sorte de retour du théâtre dans l'église. L'auteur cherche avant tout à cibler et intensifier les contradictions des arts vivants en ne dissociant pas approches esthétique et économique. En s'attachant à défendre des formes innovantes et marginalisées par les politiques culturelles, elle montre comment les propositions scéniques du présent prennent en charge l'état de crise pour raviver leur fonction critique. Cet ouvrage s'adresse aux artistes et aux professionnels de la culture aussi bien qu'aux étudiants en arts et aux curieux de création scénique, sans oublier les sceptiques lassés par les vitrines du service public culturel.

Les années 70 ont constitué un tournant dans l'histoire du théâtre vivant. Or, durant cette décennie, une revue, Travail théâtral accompagne cette histoire et en consigne les principaux éléments. Ce livre s'attache à décrire la spécificité de la revue et à montrer qu'elle est le réceptacle et, dans une certaine mesure, le moteur d'un processus de bouleversement culturel. Porteuse, à son origine, de " l'esprit de Mai ", elle adhère à la tradition marxiste anti-stalinienne et se fait la représentante d'un brechtisme non-orthodoxe. Elle se place du côté du jeune théâtre et défend sa revendication de donner au théâtre un contenu politique et d'y intéresser le "non-public".

Elle fait entendre des voix singulières : celles d'artistes, d'auteurs et d'intellectuels de son temps. Elle reconnaît et fait connaître les avant-gardes. En donnant à certaines de ces expériences (comme celles menées par le Théâtre du Soleil ou par Augusto Boal) une valeur exemplaire, Travail théâtral ne fait pas simplement écho à ces bouleversements, mais entend y participer et jouer à sa manière un rôle moteur dans la constitution d'un théâtre de l'avenir.

Riche de ses auteurs sous tous les climats, le texte de théâtre anglais est d'une diversité et d'une prodigalité très grandes. Ces années ont vu se succéder une richesse d'écritures abordant sous tous ses aspects des problématiques diverses et des esthétiques fort différentes. Ce recueil réunit des études concernant des auteurs publiés, lus, montés, traduits à l'étranger pour la plupart, qui tendent un miroir impitoyable à l'Angleterre mais aussi à notre condition continentale tragi-comique.

Depuis longtemps déjà, le théâtre est dans une dynamique où chorégraphie, arts plastiques, cinéma, vidéo, cultures et musiques populaires se répondent et font partie de l'écriture scénique. Il s'agit dans ce livre d'analyses et de réflexions sur la mise en scène considérée comme écriture scénique qui n'a pas a être commandée par la logique seule du texte écrit, de ses conditions, implications et prolongements tant esthétiques que théoriques.

« Ce livre n'est pas homogène. Certains passages paraîtront sans doute trop abstraits au profane, d'autres trop complexes au praticien, d'autres encore trop simples au théoricien. C'est que ce livre n'est pas un livre. Il est l'entrecroisement, le tressage, parfois le simple tuilage de pages de livres très différents que je n'écrirai pas. Ou encore il est recueil de "seuils", préfaces ou "quatrièmes de couverture" (mais alors si peu efficaces) de livres qui ne s'écrivent pas, et qu'on nomme des mises en scène. »

Après Théâtre - Equinoxes (Actes Sud, 2001), où François Regnault abordait le théâtre à partir d'analyses générales, de concepts spécifiques, de réflexions politiques, voici Théâtre - Solstices, entièrement consacré à des femmes ou à des hommes de théâtre, à des metteurs en scène, à des acteurs, à des œuvres théâtrales, à des représentations singulières.

Equinoxes vise le théâtre tel qu'il se pense, Solstices, le théâtre tel qu'il se fait, ou comme on l'écrit. Equinoxes regarde l'éternité du théâtre, Solstices, son caractère éphémère.

« Thalès, selon une tradition antique, n'aurait composé que deux ouvrages : Du solstice et De l'équinoxe. J'ai cru bon de m'inspirer de ce grand sage et mathématicien en intitulant ces deux volumes sur le théâtre : Théâtre-Equinoxes et Théâtre-Solstices.

Au premier , j'ai plutôt attribué ce qui était de la théorie, avec ses équilibres, son égalité d'humeur, une espèce d'éternité. Equanimité du printemps et de l'automne.

Au second, plutôt ce qui serait de l'ordre de la pratique, avec ses hauts et ses bas, ou ses événements éphémères, hasardeux. Excès, défauts, de l'été, de l'hiver.

Je ne me suis pas dissimulé le caractère simplificateur de cet artifice. Je l'ai préféré à toute organisation. » présentation de François Regnault.

Quelle est la principale question posée par ces trois auteurs qui n'ont cessé de mettre à mal l'expression et l'énonciation de convention ? Ils ont tenté, chacun à leur façon, de transporter la parole romanesque vers l'oralité sur scène en se débarrassant du poids de la représentation. Ils ont apporté la mise en doute de l'instance toute puissante qui figeait les échanges habituels dans un rapport immuable et la possibilité du dialogue même. Ce processus d'équilibre précaire est ici analysé en détails : enjeux, choix, discussion et justification des arguments.

Prolonger la lecture de ce livre, devenu un classique, par le n° 138 de la revue Littérature, livraison de Juin 2005 : "Théâtre : Le retour du texte ?", 16 €

Contribution au débat actuel sur la fonction du théâtre, sa dimension civique, ses pouvoirs, sa nécessité, le livre de Jean-Pierre Sarrazac fait l'archéologie de cette idée d'un théâtre critique.

Plutôt que de dresser un bilan, ce livre relève les promesses des écritures dramatiques françaises contemporaines. Une sorte de journal de création à plusieurs voix où Benedetto interpelle Planchon, Vivaner interroge Gatti, où le théâtre de l'Aquarium questionne Deutsch ou Wenzel.

« Sartre, auteur dramatique n'a pas cherché à renouveler les formes mais à épurer le contenu par un retour au tragique. Il a beaucoup à dire sur le théâtre et il est aussi un excellent commentateur de ses propres œuvres. La première partie du livre est constituée de textes généraux sur le théâtre, une longue conférence Théâtre épique et théâtre dramatique, deux extraits de L'Idiot de la famille qui développent les idées de Sartre sur l'acteur.

La deuxième partie éclaire son œuvre dramatique par des propos sélectionnés dans divers textes et entretiens et s'attache aux significations essentielles des différentes pièces. » Michel Rybalka et Michel Contat

Bruno Tackels met en pratique les éléments de réflexion du livre précédent appliqués à la Societas Raffaello Sanzio. De nouvelles langues de la scène voient le jour dont la matière provient essentiellement du plateau « et non du livre » À la question « comment dire la situation actuelle, le drame politique moderne, celui qui ensanglante le siècle des guerres mondialisées avec des outils qui ne sont plus adéquats ? », Claudia et Romeo Castellucci répondent par leur étrange théâtre de tableaux vivants depuis une quinzaine d'années.

Pour suivre la découverte de cet univers, des écrits en marge livrent une partie des arrières-fonds sur lesquels la Societas établit ses bivouacs :

Les Pèlerins de la matière, Claudia et Romeo Castellucci, théorie et praxis du théâtre, traduit de l'italien par Karin Espinosa, Les Solitaires Intempestifs 2001. 13,57€. (titre en rupture chez l'éditeur)

Réunit les contributions, parfois cinglantes, d'une quinzaine de metteurs en scène (Badiou, Peyret, Jourdheuil, Sobel, Gabily...). Avec les interrogations du moment : le théâtre a-t-il encore aujourd'hui la capacité d'agir sur la chose publique, à stimuler en son sein des écoles de pensée capables de lancer des débats d'idée ? Peut-on renouveler la comédie sans sombrer dans le vaudeville ?

Déformé, mutilé, disséqué, automatisé, animalisé, caricatural ou monstrueux, le corps humain, au théâtre, est un corps éclaté. C'est sur les représentations grotesques du corps dans le théâtre espagnol et argentin depuis la fin du XIXème siècle jusqu'à nos jours que portent les articles publiés dans ce volume. Quelle est la dramaturgie du corps grotesque au théâtre ? Le corps enflé ou amaigri, agonisant ou jouisseur, représenté dans ses fonctions digestive ou sexuelle est-il toujours comique ? Si le corps est aussi corps social, métonymique et métaphorique, sa déformation physique devient alors transgression de la norme. Ainsi réfléchi dans le miroir déformant de la scène, le public se surprend à rire jaune.