« J'ai pris de la boue et j'en ai fait de l'or ». Baudelaire est le premier poète du monde «moderne». Le nôtre. Un «vilain monde» qui «va finir» car il n'a plus rien à faire sous «le ciel». Un monde où le culte du progrès et la passion de l'argent ont «atrophié en nous la partie spirituelle», où la mécanique nous a tellement «américanisés» que rien parmi «les rêveries sanguinaires» des utopistes n'atteint les horreurs de la réalité positive. Un monde où la «beauté» n'a plus cours. À moins que l'artiste ne puisse l'extraire du Mal, la faire apparaître sous forme de «beauté interlope», tel un «soleil agonisant», brillant d'une «splendeur triste». Condamné pour Les Fleurs du Mal par la justice de son temps, vivant comme un paria, Baudelaire - comme le montre ici Robert Kopp - a fait de l'art son idéal, mais il ne croit plus au pouvoir rédempteur de la poésie. Le soleil noir de la modernité est aussi celui de la mélancolie.

Étude stylistique et thématique de l'oeuvre de Charles Baudelaire, Le Spleen de Paris.

" Je veux montrer comment Baudelaire est enchâssé rigoureusement dans le xixe siècle ", écrit Walter Benjamin à Gershom Scholem. Dans cette lecture très novatrice, qui se situe aussi bien à l'écart de la critique littéraire que d'une analyse sociologique, il ne s'agit pas de décrypter dans les thèmes baudelairiens les bouleversements économiques et sociaux mais, par un effet de miroir, d'éclairer les uns par les autres. le développement d'une société industrielle de masse, l'avènement d'un prolétariat, l'expérience de la foule dans la grande ville, celle du choc, la marchandise, la " perte d'auréole " du poète : autant de situations exemplaires à partir desquelles Baudelaire - le premier à avoir appréhendé la force productive de l'homme réifié -, ici rapproché de Blanqui et de Nietzsche, invente, selon Benjamin, un héroïsme moderne.

Étude et analyse de l'oeuvre de Charles Baudelaire, Petits poème en prose.

«Le Mariage de Figaro, c'est déjà la révolution en action» : Danton en 1789, Napoléon dans le Mémorial de Sainte-Hélène accordent au chef-d'oeuvre de Beaumarchais, créé en 1784, un rôle majeur dans la chute de l'Ancien Régime. Efficacité ravageuse de formules dont certaines ont traversé deux siècles - «Sans la liberté de blâmer, il n'est point d'éloge flatteur» -, charge virulente contre l'abus aristocratique et le privilège actualisé ici dans un «droit du seigneur» formellement aboli, mais rétabli par l'argent, dénonciation de l'oppression masculine et d'une Justice inique : on comprend que Louis XVI ait voulu museler un trublion, par ailleurs agent des hautes et basses oeuvres de la monarchie... Mais la portée politique de la pièce ne fait pas oublier la gaieté d'une Folle Journée qui assaisonne de farce l'esprit le plus raffiné, la nouveauté d'une dramaturgie qu'on a pu juger pré-brechtienne, l'originalité d'une écriture alternant la «joute» rapide et la parade verbale. Ainsi que la profusion maîtrisée d'une intrigue qui explore toutes les formes de l'éros - coupable, rêvé, prescrit, impossible - et met aux prises des personnages qui souvent se transforment au cours de l'action. Tant il est vrai que, pour Beaumarchais comme pour son siècle, le devenir est désormais l'apanage du vivant.

Présentation biographique de l'auteur et de son oeuvre, accompagnée d'éléments critiques sur sa bibliographie.

Du théâtre de la seconde moitié du XVIIIe siècle, la postérité n'a retenu que deux pièces : Le Barbier de Séville et Le Mariage de Figaro de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais. Phénomène curieux, si les biographies de l'auteur sont nombreuses, rares sont les études sur son oeuvre. Des textes qui suscitent pareil engouement deux siècles après leur rédaction méritent pourtant qu'on s'interroge sur les secrets de leur confection... Aussi, avons-nous eu envie de nous pencher sur le langage dramatique de Beaumarchais, envie de comprendre d'où vient l'efficacité de sa dramaturgie, d'où naît la joie si propre à ses dialogues dans l'oeuvre étonnante qu'est La Trilogie. Le ton n'y est guère uni, la bienséance n'est pas toujours sauve, les vraisemblances sont fréquemment méprisées et les bigarrures du style font, pour l'abbé Brémond, de Beaumarchais " le pire fléau de notre langue "... Et pourtant, l'oeuvre demeure, qui séduit toujours - du moins les deux comédies au rythme gai et dynamique.

A comme auteur dramatique, mais aussi comme armateur, affairiste et agent secret ; B comme Beaumarchais, le nom-emblème de l'ascension sociale, et C comme Caron, le patronyme de ses débuts ; E comme éditeur de Voltaire ; F comme Figaro ; H comme horloger, le métier appris du père ; M comme musicien, mais aussi comme munitionnaire des Américains puis de la Révolution française ; N comme noblesse, mais R comme roture, ou comme ses pseudonymes d'aventurier : Ronac, Roderigue Hortalez... C'est dans la prodigieuse trajectoire de son aïeul que nous entraîne Jean-Pierre de Beaumarchais, celle d'un «voltigeur» des Lumières qui a couru sans cesse d'un rôle, d'un personnage à un autre, par intérêt, par idéal, mais aussi par plaisir de transformer, de manière ô combien moderne, le dilettantisme aristocratique en passion d'entreprendre.

« Claude Simon définissait le moderne : ce qui ne supporte plus la liaison.
Seng-tsan a écrit : Si vos pensées sont liées, elles ne sont plus fraîches.
Cette définition comme dénouer est très profonde car la vie n’est pas achevée dans la mort. La vie n’est qu’interrompue par la mort. L’art moderne aime moins la mort, la perfection, la crucifixion, l’achèvement, que le christianisme ne l’a fait. L’interruption est tellement plus modeste et tellement plus vivante que la pseudo synthèse ou la pseudo finalité.

Une gêne technique à l’égard des fragments fut publié dans la revue Furor au mois d’avril 1984. Une gêne technique à l’égard des fragments fut repris aux éditions Fata Morgana en 1986. Une édition parue en 2003 a été faite sans l’accord de l’auteur. La présente édition, Une gêne technique à l’égard des fragments. Essai sur Jean de La Bruyère, relue, revue, corrigée, remaniée, recomposée, est définitive. »  Pascal Quignard

Débat d'idées littéraires autour de l'oeuvre de Jean de La Bruyère.

Étude stylistique et thématique de l'oeuvre de Jean de La Bruyère, replacée dans son contexte historique et accompagnée d'une biographie.

Qui ne connaît La Fontaine ? Ses Fables bien sûr, apprises dès l'école, mais aussi ses Contes, charmants et licencieux, ou ce Songe dédié au château de Vaux que bâtissait le brillant Fouquet, alors vaste chantier que le poète défricha et rêva. On se promène en son oeuvre comme en un jardin, où le beau et le vrai, le plaisant à l'utile mêlé guident les pas de l'"honnête homme" la recherche d'une morale qui aspire au plaisir, d'un plaisir qui ne saurait être sans morale, La Fontaine, nouvel Orphée, métamorphose les apologues ésopiques, les versifie, les diversifie, leur insuffle la vie. Le mystère des Fables et de toute l'oeuvre, tient en ceci : unique et pourtant contradictoire, raisonnable toujours, elle a l'exubérance de la vie même. Patrick Dandrey nous convie à goûter les charmes d'un poète multiple, dont la lyre, pour avoir rendu ses derniers sons il y a trois cents ans n'en continue pas moins de résonner.

" J'aime le jeu, l'amour, les livres, la musique, la ville et la campagne, enfin tout ; il n'est rien qui ne me soit souverain bien, jusqu'au sombre plaisir d'un coeur mélancolique. "

Portrait du fabuliste et poète Jean de La Fontaine.

D'écrivain comblé et adulé, Stefan Zweig était devenu un exilé se plaignant auprès de Romain Rolland de ne plus recevoir de courrier. Admirant profondément Montaigne mais aussi Nietzsche, Dostoïevski et Freud, Stefan Zweig souffrait d'être si peu semblable à ses modèles. Il lit et commente passionnément Montaigne pour y trouver la voie de sa liberté intérieure, la force d'assumer son ultime décision.

Analyse de l'oeuvre de Michel de Montaigne, Les Essais, par Marie-Luce Demonet.

Biographie de Michel de Montaigne par Francis Jeanson.

Au départ, il y a cette question posée à Montaigne - cette question que Montaigne pose lui-même : une fois que l'individu, dans un accès d'humeur mélancolique, a récusé l'illusion du paraître, quelles expériences lui sont-elles réservées ? Que va découvrir celui qui a dénoncé autour de lui l'artifice et le déguisement ? Lui est-il permis de faire retour à soi, d'accéder à l'être, à la vérité, à l'identité intérieure, au nom desquels il jugeait insatisfaisant le monde dont il s'est écarté ? Montaigne met à l'épreuve cet espoir en composant Les Essais.

Mais " la prise et la serre " sont-elles possibles ? Si les mots et le langage sont, au dire de Montaigne, " une marchandise si vulgaire et si vile ", quel paradoxe que de composer un livre et de s'essayer soi-même au fil des pages écrites ! L'on ne sort de l'apparence que pour s'engager dans une nouvelle apparence. Montaigne voit le doute s'étendre jusqu'au point oú nulle opinion n'offre une garantie supérieure à celle de la vie sensible. Par le détour de la réflexion sceptique, il réhabilite le paraître, rétablit la " relation à autrui ", reconnaît les droits de la coutume et de la finitude. Ce mouvement réconcilie la pensée avec ce qu'elle avait d'abord rejet ; la condition humaine, malgré toute sa faiblesse, peut être le lieu de la plénitude. La vie en commun, l'amour même, doivent leurs plaisirs à leurs conventions. Mais il restera quelque chose du refus initial : la cruauté, l'intolérance, que se fondent sur la présomption, sont à jamais inacceptables.

Entendue au sens élargi de ce qui retourne ou revient, sous une forme identique, analogique et équivalente, la répétition se révèle un ferment majeur des oeuvres de Claude Simon. Elle y apparaît comme un facteur de production et de création. L'auteur se propose de "traquer" les diverses modalités de la répétition - tant au niveau fictionnel que de la narration ou de l'écriture- et d'en montrer les vertus structurelles à travers quatre des romans de Claude Simon.

Cette étude tente de mettre au jour les liens complexes de Claude Simon à l'écriture et à l'image. L'oeil est un passage obligatoire pour l'oeuvre simonnienne et il est aussi un instrument de création qui fonde l'élaboration d'une écriture puis d'une vision cinématographique du monde. Cette analyse cherche à mettre en lumière le dialogue toujours renouvelé entre écriture et réalisation filmique afin de montrer dans quelle mesure le passage d'un langage à une autre, influence le processus créatif de Claude Simon.

En une approche à la fois textuelle et thématique, l'auteur analyse les modalités narratives et syntaxiques de La route des Flandres, en éclaire la composition, les multiples correspondances, le réseau de personnages et les références inter-textuelles. Elle précise aussi les rapports entre l'écriture de Claude Simon et la mémoire, et tente de cerner sa conception de la réalité.